Muzeul de Artă Simbol și reper cultural al orașului [303832]

Universitatea ’’Spiru Haret’’ [anonimizat]

-[anonimizat]: Conf.dr.arh. Ciotoiu Iuliana

2019

Cuprins:

Introducere……………………………………………………………………………………….2

Arhitectura și Obiectivele Muzeului de Artă………………………………………3

Relația dintre simbol și funcțiune………………………………………………………8

Arhitectură vs Artă………………………………………………………………………….12

Studii de caz…………………………………………………………………………………….16

Muzeul Guggenheim din Bilbao

Centrul cultural Heydar Aliyev

Muzeul de Artă Contemporană Niterói

Concluzii………………………………………………………………………………………….31

Bibliografie……………………………………………………………………………………………….32

Introducere:

[anonimizat] "emblematică" [anonimizat]: muzee, centre comerciale și centre olimpice ce au la bază de multe ori un design estetic diferit. Ele sunt unice și devin câteodată simboluri pentru orașele ce le găzduiesc. [anonimizat] o relație cu cultura națiunii respective. Această lucrare examinează arhitectura emblematică în cadrul proiectelor muzeale care au devenit simboluri recunoscute internațional.

Alura orașului creativ pare să fi devenit irezistibilă: [anonimizat], salariați și investitori cu venituri mari sunt tentați de atmosfera intangibilă și de mediul creativ. [anonimizat], pentru orașele care nu au o [anonimizat]. [anonimizat]. [anonimizat] a văzut un număr din ce în ce mai mare de orașe asiatice care implementează politici de promovare a dezvoltării industriei creative și de stimulare a economiei lor culturale. [anonimizat]-[anonimizat], construirea de muzee și centre culturale.

"Simbolismul monumentelor culturale fizice nu poate depăși intenția culturală adevărată", [anonimizat]. Există o diferență între energia creatoare și cultura deja prezentă pe sit. Prin urmare, o întrebare esentială este importanța culturii locale în dezvoltarea unui oraș înfloritor. Și cum aceste proiecte arhitecturale răspund caracterului cultural al unui oraș.

[anonimizat] o [anonimizat] a activităților culturale înseamnă că acest lucru trebuie să se întâmple de la nivel local.

Simbolurile culturale sau proiectele emblematice arhitecturale au mai multe șanse să se dezvolte odată ce se găsesc pe un teren ‘fertil’, decât să încerce să injecteze o intenție culturală.

"Cum ar trebui să arate un muzeu, un muzeu din Manhattan? Cu siguranță ar trebui să funcționeze, ar trebui să-și îndeplinească cerințele, dar care este relația sa cu peisajul din New York? Ce exprimă, care este mesajul său arhitectural? Este mai ușor să spun mai întâi cum nu ar trebui să arate. Nu ar trebui să arate ca o clădire de birouri și nici nu ar trebui să pară un loc pentru divertisment. Forma și materialele sale ar trebui să aibă identitate și greutate în vecinătatea zgârie-norilor de cincizeci de etaje sau podurilor lungi, în mijlocul junglei dinamice a orașului nostru colorat. Ar trebui să fie o unitate independentă și de sine stătătoare, expusă la istorie, și, în același timp, ar trebui să aibă conexiune vizuală cu cladirile din jur, pe care le considerăm imaginea de fundal pentru arta secolului XX. Ar trebui să transforme vitalitatea străzii în sinceritatea și profunzimea artei. "

Marcel Breuer (1963)

Arhitectura și Obiectivele Muzeului de Artă:

Deoarece mulți critici se plâng că noua arhitectură muzeală distrage spectatorii de la contemplarea operelor de artă, este demn de remarcat faptul că admirarea dezinteresată nu a fost scopul principal al celor care au deschis pentru prima dată colecții private în secolul al XVIII-lea. Primele muzee au avut un amestec variabil de obiective: prestigiul regal sau național, conservarea patrimoniului, furnizarea de modele pentru artiști, meșteșugari și luminarea publicului cu accentul pus pe avantajele morale și civice ale artei. În ceea ce privește forma arhitecturală, majoritatea muzeelor de artă construite în secolul al XIX-lea au adoptat o versiune a clasicismului, de obicei cu o intrare grandioasă sub un fronton cu coloane. Odată ajuns în interior, te întâmpina o sală mare, uneori cu o cupolă sau chiar cu un atrium înalt. Aceste intrări și săli de primire sunt declarații arhitecturale impresionante în sine și, din această perspectivă, sălile de recepție dramatice de astăzi de către Gehry sau Calatrava sunt variații a unei teme vechi. Poate că o parte din ceea ce face ca multe dintre muzeele recente să pară o ruptură radicală, cu o tradiție arhitecturală mai atentă la artă, este că am devenit atât de obișnuiți cu muzeele clasice cărora rareori le acordăm atenție arhitecturii lor.

Mai mult, s-ar putea să fim prea grăbiți să ne gândim că arhitecții din secolul al nouăsprezecelea erau umili din acest punct de vedere. Leo von Klenze Glyptothek (1815) este o clădire monumentală construită pentru regele Ludwig din Bavaria, dominată de un portic central ridicat, aliniat cu opt coloane ionice. Putem vedea deja conflictul dintre arhitectură și artă, care începe în dezacordul asupra designului interiorului, deoarece consilierul beneficiarului dorea un interior gol pentru statui, dar Klenze a câștigat cu planul său cu un bogat interior ornamentat în care chiar și podelele și tavanele galeriei au fost puternic texturate în culori închise. Muzeul Altes al lui Karl Friedrich Schinkel din Berlin (1830), cu colonada lui maiestuoasă care se desfășura pe toată lungimea frontului și domul său magnific modelat după Pantheon, a fost atacat de connoisseur-ul, Alois Hirt, pe motiv că "obiectele de artă nu sunt acolo pentru muzeu, mai degrabă muzeul este construit pentru obiecte ", chiar plângerea pe care o auzim adesea astăzi.

Până la sfârșitul secolului al nouăsprezecelea, unele dintre scopurile originale ale muzeelor de artă au fost treptat înlocuite de ideea muzeului ca refugiu liniștit pentru contemplare. Această schimbare s-a manifestat cel mai dramatic în muzeele americane prin două schimbări. În primul rând, "bătălia matrițelor" a fost câștigată de cei care au susținut că, indiferent de valoarea educațională a copiilor, scopul principal al muzeului era expunerea lucrărilor originale de cea mai înaltă calitate. În aceeași perioadă, vechea practică de montat opere aproape una de alta, uneori, în rânduri ajungând la tavan, a fost înlocuită treptat prin plasarea operelor la nivelul ochilui cu spațiu suficient între ele pentru a permite privitorului să se concentreze pe un singur lucru la un moment dat. În ceea ce privește arhitectura muzeului, clasicismul a continuat să domine până în 1914, și nu au existat prea multe oportunități pentru construirea unui nou muzeu între 1914 și 1945, cu două războaie mondiale și marea criza economică. O excepție a fost Muzeul de Artă Modernă din 1939 din New York, cu o fațadă și galerii "neutre", menite să maximizeze contemplarea pur estetică nedepășită de ornamentul arhitectural. După război, problema arhitecturii vs. artă a fost analizată din nou în mod dramatic de către Frank Lloyd Wright, cu Guggenheim, în New York (1959). Între Guggenheimul lui Wright și Guggenheimul lui Gehry, Centrul Pompidou al lui Rogers și Piano (1977) a marcat cea mai importantă evoluție în proiectarea de muzee.

Pompidou este o combinație între un muzeu de artă modernă cu un centru al cinematografiei, arhivă muzicală, bibliotecă, restaurant, bar și magazin și, de parcă nu ar fi fost de ajuns, prin includerea unei uriașe piețe publice și a unei platforme de vizualizare deasupra, Centrul Pompidou a proclamat sosirea muzeului ca destinație de divertisment. Acestui program de arhitectură îi va lua ceva timp pentru a prinde din urmă Centrul Pompidou, dar în cele din urmă chiar și cele mai serioase instituții au adoptat unele dintre strategiile de la Pompidou pentru atragerea mulțimilor. Deși exteriorul lui Pompidou și conductele colorate de pe exterior sunt aspectul său cel mai frapant, Rogers și Piano au lăsat în interior un vast spațiu deschis pentru a fi configurat după nevoi și astfel interiorul să nu concureze direct cu arta.

Printre caracteristicile aparente din spatele multiplelor funcții ale Pompidou-ului, se găsesc și altele, cum ar fi integrarea culturii populare și democratizarea publicului muzeal. În Marea Britanie și în Statele Unite ale Americii în anii '80, preocupări similare au fost puternic amplificate de presiunile economice care au condus la o căutare constantă de noi clienți și la creșterea vânzărilor de bilete, prin o mulțime de atracții variate în plus față de expozițiile "clasice" – filme, concerte, centre pentru copii, magazine și restaurante, ce au servit pentru a transforma muzeul într-o destinație competitivă pentru activități de agrement. Nu numai arhitectura spectaculoasă poate fi o parte importantă a acestui amestec, dar arhitectura însăși trebuie să includă în prezent spații atractive pentru toate activitățile noi. Evident, măsura în care muzeul ca destinație de divertisment a depășit funcțiile mai tradiționale ale muzeului variază enorm de la muzeu la muzeu, dar în mod clar arhitectura clădirii și arta pe care o găzduiește nu sunt suficiente.

Această scurtă privire la istoria muzeului de artă arată că tensiunea dintre arhitectură și artă este aproape la fel de veche. De asemenea, muzeele de artă au variat enorm de-a lungul anilor și încă variază de la muzeu la muzeu. Odată ce ne dăm seama că muzeele tradiționale nu au fost în mod inerent mai respectuoase față de artă decât cele mai recente și odată ce am acordat atenție schimbărilor funcționale ale muzeelor, modelele lui Frank O. Gehry sau Zaha Hadid sunt mai puțin probabil să pară doar o dovadă de narcisism a arhitecților.

Relatia dintre simbol și funcțiune:

Accentul va fi pus pe tensiunea între rolul simbolic al arhitecturii unui muzeu și funcțiunea sa ca spațiu pentru a găzdui și a prezenta arta. Cuvântul "simbolic" este folosit aici în două sensuri diferite. Se referă in primul rand la clădire ca o formă estetică sau sculpturală și în al doilea rând la rolul ei în exprimarea identității civice și a altor preocupări non-muzeale. Cuvântul "funcțiune" se referă la utilizarea preconizată si practică, în afară de rolul ei de artă arhitecturală. Putem spune desigur ca unii arhitecți pun un accent mai mare pe simbolism în detrimentul funcțiunii și clădirile lor arată din ce în ce mai mult ca sculpturi masive decât structuri adecvate si practice pentru acest program de arhitectură.

Muzeul Guggenheim al lui Frank Gehry din Bilbao, Spania și Muzeul de Artă din Milwaukee, Statele Unite ale Americii al lui Santiago Calatrava sunt reprezentative pentru această tendință. Ambele au primit laude la nivel mondial pentru design-ul original și ambele au fost criticate pe scară largă deoarece au permis formei arhitecturale să domine, in detrimental funcțiunii. Proiectul din Bilbao a fost conceput ca element central al unui efort masiv de revitalizare a unui oraș în declin. Scopul era de a crea o arhitectură ce ar avea sa devină o destinație turistică, servind ca un catalizator pentru revitalizarea orașului Bilbao și de asemenea, găzduind o filială a Fundației Guggenheim. Designul îndrăzneț al lui Gehry a produs o masivă clădire sculpturală. În Milwaukee, Calatrava a creat un design inovator, comercializat cu succes, ce a atras atenția mass-media în întreaga lume. Aici, de asemenea, scopul a fost de a ridica o clădire care ar deveni un simbol important pentru a spori identitatea orașului.

În ambele cazuri, arhitectura a devenit principalul obiectiv, lăsând arta și alte activități ale muzeului într-un rol secundar. În Milwaukee, depășirile costurilor și datoria reziduală masivă necesară pentru a construi clădirea a lovit puternic in resursele muzeului.

Astăzi, funcțiunea muzeului de artă se găseste, încă, într-un proces de schimbare. Principala responsabilitate a muzeelor este educația utilizatorilor, iar colecția operelor de artă primește un rol secundar. Ca rezultat, muzeele de artă au devenit mai deschise, mai dinamice, și participative, devenind atât catalizatori, cât și diseminatori pentru cea mai nouă artă de ultimă generație. În plus, in afară de operele tradiționale (pictură, sculptură și desen), muzeele sunt așteptate să găzduiască artiști care vor să expună clipuri video, proiecții, fotografii, opere din arhitectură, design și teatru, toate acestea necesitând diferite utilizări ale spațiului și modalități de prezentare a artei. În noul său rol muzeul devine un mediator cultural între lucrările de artă și public. Această nouă situație necesită diversitate în colecții, expoziții, diferite activități precum și flexibilitate în arhitectura destinată găzduirii acestor activități.

Având în vedere aceste schimbări în funcțiunea muzeelor, care sunt implicațiile pentru practica arhitecturii contemporane? În mod special, tendința recentă spre clădirile exotice ale muzeului sculptural se încadrează cu schimbările nevoilor muzeului? La prima vedere, ar părea că noua arhitectură muzeală manifestată în Bilbao, Milwaukee, și a noilor muzee din întreaga lume, nu are prea mult de-a face cu redefinirea muzeelor ca locuri dedicate în primul rând educației. În plus, noua arhitectură a muzeului a sporit expunerea mass-media și conștientizarea publică a muzeelor, ceea ce ar putea afecta și mai mult participarea în scopurile educaționale ale muzeelor.

Această tendință în arhitectura contemporană a muzeului reprezintă o deviere substanțială de la arhitectura modernistă, cu o geometrie austeră, structuri reduse la elementele liniare constând în pereți, grinzi și coloane, fără lumină naturală. Aceasta este poate o reacție exagerată. Sau poate că este o încercare de a recâștiga gloria arhitecturii anterioare, clasică sau medievală, când a fost creată o arhitectură originală magnifică care servea nevoi religioase și politice. Unii ar spune că muzeele au devenit echivalentul contemporan al catedralelor și arhitectura civică, a trecutului.

Trendul pare a fi o proliferare a arhitecturii muzeelor, unde aspectele simbolice sau sculpturale ale clădirilor au devenit dominante, fie că sunt în serviciul designului estetic sau nevoii civice externe, cum ar fi revigorarea economică sau mândria civică. Acest trend nu s-a sfârșit, deoarece arhitecții din multe orașe din întreaga lume se străduiesc să creeze forme noi pentru acest program, adesea la costuri enorme. Motivele acestei dezvoltări derivă în parte din problemele nerezolvate referitoare la rolurile simbolice și practice in arhitectura muzeelor din prezent. Un alt motiv poate fi găsit în cadrul idealurilor și tradiției arhitecturii moderne în sine. Arhitecți precum Gehry și Calatrava nu urmăresc modelele geometrice abstracte ale lui Le Corbusier sau Louis Kahn, care au imaginat un vocabular universal arhitectural derivat din forme industriale tehnice care au subliniat convențiile moderniste în arhitectură. Limbajul lor arhitectural foarte original nu rezultă mereu din trăsăturile unui anumit sit. Atunci putem spune că aceleași forme arhitecturale pot apărea în Barcelona, Liege sau Milwaukee. În măsura în care ornamentul sculptural se găsește în lucrarea lui Gehry și Calatrava, întreaga structură a clădirii devine ornament. Ca și predecesorii lor moderniști, acești arhitecți promovează forma in detrimentul funcțiunii și sunt la fel de abstracți, dar abstractizarea lor nu este bazată pe geometrie. Este mai mult lirică, expresivă. Analizând această problemă este posibil să vedem mai clar importanța examinării cu un ochi critic locul simbolismului și a funcțiunii în arhitectura muzeală și să ne întrebăm dacă actualii proiectanți a acestei arhitecturi nu cumva sunt prea îngăduitori în a permite simbolismului sculptural să devină elementul dominant.

Arhitectură vs Artă:

Idealul unei căsnicii perfecte între formă și funcțiune înseamnă, de exemplu, că atitudinea calmă, temperată lui Tadao Ando la ​​Fundația Pulitzer Arts și a lui Yoshio Taniguchi la MoMA câștigă atunci când sunt lângă Muzeul de artă Milwaukee al lui Calatrava sau provocatorul Guggenheim din Bilbao al lui Gehry? Putem lua un exemplu dintr-un alt domeniu și epocă, pentru a ne da seama? Luați în considerare Pantheonul din Roma, o minunată arhitectură de-a lungul veacurilor pentru oricine a stat în interiorul său. Să presupunem că am descoperit o scrisoare de protest din partea unui vechi Comitet al Preoției Romane, plângându-se că Pantheonul nu și-a servit scopul? Ne-am putea dori cu adevărat ca arhitecții de atunci să fi făcut compromisuri și să renunțe la viziunea lor? Bineînțeles, un motiv pentru care apreciem Pantheonul este că acesta a încetat de mult să-și servească funcția inițială și, în ciuda utilizării sale actuale, îl privim astăzi în termeni pur estetici. Poate că unii arhitecți care se gândesc la ei înșiși ca sculptori sau artiști conceptuali speră la acest fel de viitor pentru operele lor. Dacă un design este suficient de bun, el poate depăși oricare dintre posibilele sale utilizări și rămâne doar un monument spectaculos, un loc de pelerinaj arhitectural, parte a marii colecții de lucrări de artă pe care le păstrăm în istoria arhitecturii.

Dar ce idei și sentimente sunt exprimate de prezența impunătoare a unui muzeu extravagant ca Guggenheim din Bilbao? Nu mă gândesc aici la vreo asemănare ce duce cu gândul la – floare, anghinare, barcă, pește etc. Mă gândesc mai degrabă la semnificațiile care decurg din contrastul dintre această clădire monumentală și orașul industrial îmbătrânit. Aceste semnificații sunt mai degrabă sugestive decât precise și, desigur, depind de diferite tipuri de cunoștințe, de exemplu, că acesta este un muzeu de artă a cărui formă sculpturală anunță natura și valoarea a ceea ce conține și că a fost comandat ca parte a unei plan de reînnoire urbană. Probabil că nu este un accident atunci când ghidul audio al muzeului compară atriumul cu marile catedrale gotice. La fel ca valoarea supremă a religiei în Evul Mediu (și dorința oamenilor de a investi efort și sume uriașe de bani pe arhitectura religioasă), o arhitectură spectaculoasă a muzeului de artă poate exprima, printre altele, valoarea mare pe care o comunitate o plasează în artă și un design îndrăzneț ce poate sugera în continuare o comunitate deschisă inovării și riscului. (Desigur, văzută în contextul unei critici generale a societății sau a imperialismului cultural american, strălucirea lui Guggenheim pare să întruchipeze mesaje mai întunecate.) În ceea ce privește egoul arhitectului, dacă există așa ceva în designul muzeului lui Gehry, a funcționat extraordinar de bine în acest caz pentru Bilbao, și puterea brand-ului creat ar putea fi văzută ca mai mult decât o simplă dezpăgubire a greșelilor funcționale ale câtorva dintre galeriile sale. Majoritatea identifică orașul Bilbao cu muzeul, reprezentând o renaștere civică a unui centru industrial decăzut, evitat de turiști. Acum, ei vin să vadă marea lucrare arhitecturală și dacă pot să-și smulgă privirea departe de curbele sale drastice și de la spațiile înalte, îndeajuns să vadă și să aprecieze operele de artă expuse, cu atât mai bine.

Dacă acceptăm ideea unui rol simbolic pentru muzeele de artă spectaculoase și extravagante, recunoscând că "sălbăticia" lor poate exprima mai multe lucruri – bogăție, putere, dragoste de artă, creativitate – ce se întâmplă cu funcțiunea? Așa simplu cum sună, în centrul tuturor discuțiilor despre o arhitectură "primordială", "sălbatică", "vizionară" sau "extravagantă", ne confruntăm încă de relația între arhitectură și clădire, două categorii care nu se exclud reciproc. Bineînțeles, toți vrem puțină nebunie în viețile noastre și în arhitectura noastră – unii doresc multă – dar după ce ne trezim din acest vis frumos, tot trebuie să plătim facturile, să gătim cina iar, în muzeu, lucrările de artă trebuie îngrijite, expuse, și vizionate. Dacă, ca în cazul Muzeului de Artă a lui Libeskind din Denver, ce pătrunde în mod constant între privitor și opera de artă, sau dacă extravaganța lui Gehry din Bilbao nu avea galerii care să pară potrivite pentru arta expusă, ar fi vreo diferență? În ciuda exteriorului "sălbatic" extraordinar de atrăgător al muzeului lui Libeskind din Denver, a cărui prezență este fără îndoială bună pentru oraș, lipsa de "potrivire" între formă și funcțiune este prea mare pentru a nu afecta reacția multor oameni. Dar probabil partea "sălbatică" a designului lui Libeskind în acest exemplu nu a fost suficient de sălbatică, adică expresia sa simbolică / spirituală nu este suficient de puternică pentru a compensa slăbiciunile sale funcționale. Dacă privim răspunsul publicului la Muzeul Evreiesc al lui Libeskind din Berlin, prin contrast, unde planul în zigzaguri și ferestrele înclinate exprimă relații și idei legate de Holocaust, dificultățile pe care curatorii le-au avut în instalarea expozițiilor nu au condus la o reacție negativă. În Berlin, Libeskind a avut o serie de preocupări profund istorice și spirituale. În Denver, pe de altă parte, contextul are rezonanță istorică și spirituală mică, deoarece cererea locală era pentru o atracție turistică spectaculoasă prin prezența unui simbol în centrul orașului.

În ciuda atenției acordate muzeelor spectaculoase, cum ar fi Guggenheim-ul lui Gehry, muzeul din Denver a lui Libeskind sau muzeul în Milwaukee a lui Calatrava, astfel de lucrări dramatice nu reprezintă ceva normal sau ușor de urmat pentru recentele muzee de artă. Majoritatea muzeelor intră undeva între fantastic și obișnuit, ceea ce este probabil un lucru bun. Chiar și cele câteva exemple pe care le-am luat în considerare arată că relația dintre arhitectura contemporană a muzeului și arta pe care o conține este remarcabil de variată. Fără îndoială, aceia dintre noi care încă gândesc la un muzeu de artă ca prim loc pentru întâlnirea cu arta, vor prefera muzeele care oferă un cadru favorabil reflecției și înțelegerii mai degrabă, decât surprindere și spectacol. Dar, ca și Fundația Pulitzer Arts a lui Tadao Ando sau Centrul de Artă Contemporană Rosenthal a lui Zaha Hadid, astfel de muzee nu pot servi doar arta pe care o conțin, ci pot fi, de asemenea, exemple remarcabile ale artei arhitecturale. Și, în măsura în care combină arhitectura ca artă și arhitectura pentru artă, aceste muzee au și ele o dimensiune expresivă, chiar dacă este mai puțin spectaculoasă decât în Bilbao, Denver sau Milwaukee.

Studii de caz:

Muzeul Guggenheim din Bilbao 1997

-Frank O. Gehry-

Acest studiu de caz va examina capodopera arhitecturală, Muzeul Guggenheim din Bilbao, modul în care a afectat arhitectura muzeelor contemporane și rutinele sau atitudinile vizitatorilor de muzee. La începutul anilor 1990, orașul Bilbao, Spania, a fost provocat de sarcina dezvoltării, dintr-un oraș industrial într-o comunitate modernă. Mai multe proiecte noi de revitalizare urbană erau în construcție, prin urmare, administrația bască a crezut că un nou muzeu ar accelera renașterea orașului. Astfel, în 1991, autoritățile basce s-au adresat Fundației Salomon R. Guggenheim cu propunerea de a adăuga o nouă clădire la rețeaua Muzeului Guggenheim. Frank O. Gehry a câștigat competiția pentru a produce designul conceptual pentru noua clădire.

Muzeul Guggenheim din Bilbao are mulți admiratori și mulți critici în același timp, dar nimeni nu pune sub semnul întrebării semnificația acestuia. Unicitatea muzeului provine din motive multiple. În primul rând, trebuie subliniat faptul că muzeul a fost construit în orașul basc post-industrial Bilbao. Când a început construcția muzeului, orașul era încă neglijat și înconjurat de cartiere neplăcute și zone industriale în degradare, unde se găsește și situl, care mai târziu va găzdui una dintre cele mai extraordinare clădiri ale secolului al XX-lea.

În interiorul muzeului, Gehry a creat o coliziune între trei tipuri de spații de galerii: Cubul alb tradițional pentru colecția de artă modernă, zonele uriașe, industrializate, deschise ideal pentru sculptori precum Richard Serra, Ellsworth Kelly sau Donald Judd și spațiile flexibile modificabile, ce atrag artiști cu instalații. Gehry spunea: "Deci, galeriile plicticoase există pentru artiștii morți ce nu se mai pot apăra. Spațiile mai controversate există pentru artiștii încă în viață". În plus, faptul că Bilbao afișează atât arta modernă, cât și contemporană ajută și la atragerea publicului general, mai ales că arta contemporană nu este canonizată artă sfântă în același fel ca și capodoperele artei moderne, care au trecut testul timpului și stârnesc masele mai mult.

Arta contemporană este mult mai puțin seducătoare în ochii publicului larg. Designul lui Gehry îi susține în mod clar pe cei "în viață", așa cum a spus el, prin crearea spațiilor inovatoare și, astfel, intensificând efectul lucrărilor de artă. Cel mai bun exemplu, instalația lui Richard Serra, The Matter of Time (1997) ocupă Galeria de pește în armonie perfectă cu arhitectura externă sau internă a lui Gehry. Serra folosește materiale industriale pentru a crea structuri enorme și instalează piesele la nivelul ochilor spectatorilor, emancipând astfel sculptura din poziția sa pretențioasă. Colaborând unul cu altul, artistul și arhitectura îl direcționează pe vizitator într-o uniune armonioasă, de unde arhitectul devine el însuși artist. Astfel, Bilbao contrazice propriii atacatori că arhitectura muzeului ar fi superioară artei cuprinse în ea; dacă nu altceva a democratizat ierarhia.

Atriumul mare, plin de lumină servește drept centrul de organizare al muzeului, distribuind 11.000 de metri pătrați de spațiu expozițional în nouăzeci de galerii. Spatiul expozitional este distribuit in peste 19 galerii, zece dintre acestea avand un plan ortogonal clasic si pot fi identificate din exterior prin finisajele de calcar. Nouă alte galerii în formă neregulată prezintă un contrast remarcabil și pot fi identificate din exterior prin formele lor înviorătoare și placarea cu titan. Cea mai mare galerie este de 30 de metri lățime și 130 de metri lungime și găzduiește instalația permanentă amintită mai devreme și ilustrată în imaginea de mai sus, "The Matter of Time" a lui Richard Serra.

Deși forma metalică a exteriorului arată de sus aproape ca niște elemente florale, de la sol clădirea seamănă mai mult cu o barcă, care evocă viața industrială trecută din portul Bilbao. Construite din titan, calcar și sticlă, curbele aparent aleatoare ale exteriorului sunt proiectate să acapareze lumina și să reacționeze la soare și la vreme. Mecanismul de fixare face o adâncitură mică în fiecare dintre plăcile de titan de 38 mm, ceea ce face ca suprafața să se încrețească în lumina schimbătoare și să dea o irizare extraordinară compoziției. Din cauza complexității lor matematice, curbele răsucite au fost proiectate folosind un software de design 3D numit CATIA, care permite desene și calcule complexe care nu ar fi fost posibile în trecut. În esență, software-ul digitizează punctele de pe margini, suprafețe și intersecții ale modelelor desenate manual de Gehry pentru a construi modele pe ecran care pot fi apoi manipulate. Pereții și planșeele clădirii sunt autoportante, ce conțin o structură internă de bare metalice care formează grile cu triunghiuri. CATIA a calculat numărul de bare necesare în fiecare locație, precum și pozițiile și orientările barelor. În plus față de această structură, pereții și planșeele au mai multe straturi izolante și o acoperire exterioară de titan. Fiecare piesă este exclusivă pentru locația sa, determinată de software-ul CATIA.

Impactul socio-economic al muzeului a fost uluitor. În primii trei ani de funcționare, aproape 4 milioane de turiști au vizitat muzeul – generând circa 500 de milioane de dolari profit. Mai mult, de la turiștii ce au stat în hoteluri, restaurante, magazine și din transport s-a colectat peste 100 de milioane în impozite, ceea ce a compensat costul clădirii. Cu toate acestea, promisiunea "Efectului Bilbao" a provocat, de asemenea, un boom de construcție pe tot globul cu o arhitectură în acest stil, care s-a dovedit a fi imprudentă în urma crizei economice. Cu toate acestea, muzeul rămâne o structură simbolică, renumită pentru complexitatea și forma sa.

Centrul cultural Heydar Aliyev 2013

-Zaha Hadid Architects-

Heydar Aliyev este un centru cultural numit după fostul președinte al Azerbaidjanului, Heydar Aliyev; proiectul găzduiește o sală de conferințe, o bibliotecă și un muzeu; situat aproape de centrul orașului Baku, Azerbaijan.

Proiectul cultural se extinde și la împrejurimi; spațiul care înconjoară clădirea este destinat pentru rezidenți, birouri, un hotel și un centru comercial, iar spațiul dintre ele este destinat să devină Plaza Cultural, un loc pe care oamenii îl vizitează cu bucurie și îi sunt atrași.

Bazându-se pe arhitectura islamică istorică, structura este realizată pe o suprafață continuă. Suprafața se ondulează pentru a crea spațiile și elementele necesare. Un aspect interesant al acestei structuri este acela că o nouă metodă pentru stâlpi numită "boot" a fost utilizată în construcția corpului. Stâlpii "boot" sunt coloane curbate, care sunt utilizate pentru a avea spații deschise mai mari. Zaha Hadid Architects a obținut brevetul acestei metode. Fiind plasat în mijlocul unui teren liber, în centrul orașului, design-ul fluid al Centrului Cultural Heydar Aliyev devine un element care organizează și dă sens fiecărui element din jur. Mai ales datorită contrastului generat de forma și cromatica sa cu arhitectura existentă anterior.

Conceptul de la baza Centrului Cultural Heydar Aliyev este dominat de topografie. Arhitecții au încercat să creeze un dialog între forma fluidă a clădirii și peisaj. Formele clădirii asemănătoare valurilor au fost alese cu o mare precizie: fiecare are o funcție diferită și are propria sa identitate și înțeles, dar atunci când sunt puse împreună, ele creează o suprafață continuă, "sudată" în diversele părți ale clădirii. Această formă este ideală pentru acest tip de proiect, cu diferite programe independente, deoarece permite o libertate semnificativă atunci când sunt conectate. Suprafața exterioară face parte și din design-ul interior; în timp ce se îndoaie în interior, suprafața curbă ia forma unor scări care permit deplasarea între etajele inferioare și nivelurile mezaninului, permițând o circulație continuă, neîntreruptă. Fluiditatea exterioară a ansamblului a fost dictată și de necesitatea unei lumini naturale, fațadele de sticlă asigurând un iluminat interior adecvat.

"Ne-am concentrat, de exemplu, pe materialele de placare externe ușor de curățat din cauza poluării puternice a aerului … Există rafinării de petrol și altele asemenea, iar placarea este albă. Astfel am ales un material plastic armat cu fibră de sticlă (GFRP), care respinge murdăria. În general, toate sistemele de construcție sunt alese pentru a avea durabilitate ridicată și o durată lungă de viață și eforturi reduse de întreținere. "

Thomas Winterstetter, Werner Sobek

Zaha Hadid Architects are bine stabilit deja propriul stil unic, format din curbe delicate, combinate cu materiale și tehnologii noi. Acesta este un exemplu perfect pentru talentul lor. Ceea ce am apreciat, însă, este că nu s-au concentrat doar pe exteriorul sau interiorul Centrului Cultural Azerbaidjan, ci au tratat proiectul în același mod, manifestând interes pentru design ca un întreg.

Muzeul de Artă Contemporană Niterói 1996

-Oscar Niemeyer-

Muzeul de Artă Contemporană Niteroi (MAC), este situat în Niteroi, Rio de Janeiro, Brazilia. A fost proiectat de arhitectul brazilian Oscar Niemeyer, care a lucrat cu inginerul structural Bruno Contarini. De la finalizarea din 1996, acesta a devenit unul dintre cele mai cunoscute repere din Rio de Janeiro.

Structura modernistă în formă de farfurie zburătoare, pe care Niemeyer o descrie ca o "floare care crește din roci", se află pe o stâncă deasupra unei plaje. Accesul public este realizat printr-o rampă elegantă cu covor roșu de 98 metri lungime.

Muzeul are o înălțime de 16 metri și este alcătuit dintr-o cupolă cu trei niveluri, cu diametrul de 50 metri, amplasată pe o bază cilindrică cu diametrul de 2,7 metri proiectată într-o pișcină de reflexie de 817 metri². Sala principală hexagonală oferă spațiu de expunere fără stâlpi de 400 metri². Cu ferestre înclinate la 40 de grade, ce permit vizionarea circulară a peisajului, oferă priveliști panoramice ale Muntelui Sugar Loaf și ale golfului Guanabara. Structura se așează pe o sursă de apă din care apare farfuria zburătoare albă, aparent suspendată în aer.

Niemeyer a proiectat o structură radială cu o punte de cincizeci de metri în diametru și aproape două mii de metri pătrați, care se sprijină pe un singur cilindru central de susținere ancorat într-un pantof gigantic de doi metri. Această structură complexă care pare să plutească în aer a fost proiectată să reziste la o greutate echivalentă cu 400 kg / m² și vânturi de până la 200 km / oră.

Pentru construcția sa s-au îndepărtat 5.500 de tone de material excavat și au fost consumate 3.2 milioane de metri cubi de beton, suficient pentru a ridica o clădire cu 10 etaje. Acoperișul circular a primit un tratament termic și impermeabilizare. Grinzile au fost construite cu beton precomprimat.

Muzeul de Artă Contemporană Niterói a contribuit la crearea unui "efect Bilbao" la scară mai mică, atragând vizitatori în mod predominant pentru arhitectura remarcabilă.

De-a lungul carierei sale de șaptezeci de ani ca arhitect, Niemeyer a proiectat peste 500 de proiecte în Brazilia (inclusiv în capitala Braziliei), precum și în Spania, Algeria, Israel și Franța; totuși, el a susținut că muzeul său din Niterói, împreună cu Congresul și Catedrala din Brasilia, a fost unul dintre proiectele sale preferate.

Concluzii:

"Reper", "patrimoniu" și "monumental" – acestea sunt doar câteva cuvinte descriptive adesea aplicate arhitecturii muzeelor emblematice. Termenii dobândesc o semnificație suplimentară, totuși atunci când sunt acordați oficial unei clădiri. Procesul complicat de examinare a unei clădiri și recunoașterea acesteia ca fiind demnă de astfel de desemnări poate fi realizat la nivel de oraș sau global. Fiecare organ de conducere supraveghează procesul în mod diferit, dar în fiecare caz poate avea ca rezultat o recunoaștere excepțională.

Atunci când ne gândim la relația dintre simbol și funcțiune, dacă aspectele simbolice sau practice nu sunt echilibrate, rezultatul este unul nesatisfăcător. Trecutul este un ghid fiabil și el ne reamintește că forma (sculpturală) și funcțiunea (practică) în arhitectură sunt elaborate în armonie una cu cealaltă.

Oferindu-ne spații incitante, dar non-invazive pentru artă, arhitecții exprimă convingerea că arhitectura muzeală artistică este o formă a artei care este de calitate atunci când întreține simultan angajamentul reciproc cu propria sa artă și cu arta pe care o conține.

Bibliografie:

Cărți:

Michaela Giebelhausen, The architecture of the museum : symbolic structures, urban contexts

Suzanne Macleod, Reshaping Museum Space

Zeynep Arsel, Jonathan Bean, Taste, Consumption and Markets: An Interdisciplinary Volume

Sharon Macdonald, A Companion to Museum Studies

Site-uri:

https://www.academia.edu/15079739/_PRODUCTION_OF_ICONIC_ARCHITECTURE_CASE_STUDY_MUSEUM_PROJECTS_?auto=download

http://theprotocity.com/building-cultural-symbols-battling-for-creative-status/

Design Symbolism in Museum Architecture

https://www.researchgate.net/profile/Helena_Barranha/publication/240641769_Beyond_the_Landmark_the_effective_contribution_of_museum_architecture_to_urban_renovation/links/5525a7e20cf25d66dc945f80/Beyond-the-Landmark-the-effective-contribution-of-museum-architecture-to-urban-renovation.pdf

https://epublications.marquette.edu/cgi/viewcontent.cgi?article=1346&context=phil_fac

https://www.archdaily.com/80309/denver-art-museum-daniel-libeskind

https://www.archdaily.com/531290/spotlight-santiago-calatrava

https://www.archdaily.com/422470/ad-classics-the-guggenheim-museum-bilbao-frank-gehry

https://homesthetics.net/azerbaijan-cultural-centre-by-zaha-hadid/

https://www.archdaily.com/448774/heydar-aliyev-center-zaha-hadid-architects

https://www.archdaily.com/417751/ad-classics-niteroi-contemporary-art-museum-oscar-niemeyer

https://www.archdaily.com/64028/ad-classics-centre-georges-pompidou-renzo-piano-richard-rogers

Frank Lloyd Wright subverted typical art-gallery layouts with spiral Guggenheim museum

Sursa ilustrațiilor:

https://www.archdaily.com/422470/ad-classics-the-guggenheim-museum-bilbao-frank-gehry

https://www.airfrance.it/IT/it/common/travel-guide/museo-darte-contemporanea-larte-brasiliana-di-oggi.htm

https://www.dosde.com/en/guggenheim-museum-bilbao-original-gehry-deluxe.html

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c5/The_Matter_of_Time%2C_Bilbao%2C_July_2010_%2804%29.JPG

https://global-geography.org/attach/Geography/Europe/Spain/Pictures/Guggenheim_Museum_Bilbao/The_Matter_of_Time/B082_Guggenheim_Museum_innen_The_Matter_of_Time.jpg

https://azerbaijan.travel/en/place/185-heydar-aliyev-centre

https://images.adsttc.com/media/images/5285/1fb4/e8e4/4e52/4b00/01ac/slideshow/HAC_Exterior_Photo_by_Hufton_Crow_(11).jpg?1384456006

https://images.adsttc.com/media/images/5285/220b/e8e4/4e8e/7200/0161/slideshow/HAC_Exterior_Photo_by_Hufton_Crow_(10).jpg?1384456630

http://archpostdecostruttivista.altervista.org/oscar-niemeyer-museo-darte-contemporanea-niteroi/?doing_wp_cron=1498408919.0890619754791259765625

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c9/Glyptothek_in_M%C3%BCnchen_in_2013.jpg

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f5/Altes_Museum_%28Berlin%29_%286339770591%29.jpg

http://artcontrarian.blogspot.com/2015/09/edward-durell-stone-in-and-out-and.html

http://www.stua.com/design/guggenheim-museum-new-york/

https://theculturetrip.com/europe/france/paris/articles/10-must-see-artworks-at-the-pompidou-center/

https://www.saba.es/en/parking-guggenheim-museum-bilbao

https://eu.jsonline.com/story/entertainment/events/2016/12/25/ring-new-year-milwaukee-art-museum/95662318/

https://www.kpf.com/projects/museum-of-modern-art

https://www.denver.org/things-to-do/denver-arts-culture/

Jewish Museum Berlin